Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 2 (Milano, 2025), pp. 191 – 196.

Tommaso Filieri (Galàtone, 1960) si colloca, nel panorama artistico internazionale odierno, come uno dei massimi esponenti di quell’arte definita “effimera”, solo per via dei materiali impiegati, apparentemente votati al deterioramento e alla breve  durata. 

In realtà, una tecnica consolidata in decenni di sperimentazione e l’impiego di leganti e consolidanti di ultima generazione rendono i suoi capolavori sempre più durevoli nel tempo e sempre meno effimeri.

Fig. 9    Tommaso Filieri in uno scatto di Michele Mariano (2025).

Comune denominatore dell’arte di Tommaso Filieri è il fiore. Dal fiore tutto parte e al fiore tutto conduce. Potremmo fargli dire, con Claude Monet, «Io devo forse ai fiori l’essere diventato pittore». E Filieri è decisamente un pittore, pur non essendolo in senso stretto. Anzi, ne incarna l’indole più elevata.

È un pittore quando realizza i suoi strabilianti allestimenti floreali, che immergono gli astanti in un tripudio primaverile la cui legge sta nell’armonia di colori e posizioni. È un pittore quando veste i panni dello stilista e riveste di incanto le modelle a lui affidate, ricoprendole di fiori veri oppure adornando i tessuti da loro indossati di ricami dorati e ghirigori – mai stucchevoli – realizzati con polveri di fiori sapientemente essiccati o con la cenere degli ulivi salentini, condannati a morte un decennio fa dalla piaga del disseccamento rapido, e diventati – nei suoi capolavori – segno di speranza e promessa di rinascita.

Figg. 12-15    Abiti d’alta moda, con decori floreali, realizzati e firmati dallo stilista Tommaso Filieri (Fotografie di Michele Mariano).

Questa tecnica tutta sua, che vede protagonista la cenere d’olivo, condensata, pigmentata, indorata a seconda dell’effetto ricercato, ha spinto l’artista salentino ad ulteriori ideazioni. Nascono così veri e propri tesori d’arte tessile e decorativa, molti dei quali inerenti l’ambito sacro: una stola per Papa Francesco, donata al pontefice direttamente da Filieri nel 2013; piviali e paramenti liturgici di varia foggia, paliotti d’altare, abiti per statue processionali.

È l’invenzione della mìgnola salentina, però, a riportare tanta maestria in ambito laico e a diffondere l’arte di Tommaso Filieri in tutta Europa. Le mìgnole sono medaglioni di forma circolare, a volte ovali, dall’aspetto prezioso per la presenza di racemi dorati, pietre dure e vitree dai riflessi sgargianti. Diversissime l’una dall’altra per disegno, le mìgnole paiono ispirate ai monili bizantini che spesso adornano le sante orientali raffigurate a fresco, più di un millennio fa, nelle cripte di Terra d’Otranto. Un bagaglio culturale, quello di Filieri, che trasuda tutta la ricchezza d’arte, di storia e di fede della sua terra natia, ponte tra Oriente e Occidente. 

Un DNA che travalica i secoli e che, sotto la guida paterna del parroco don Salvatore Martalò (1927-2016), gli è stato tramandato per via matriarcale, osservando da bambino nonna Maria, mamma Tina e zia Ada, artiste silenziose del ricamo. Artefici inconsapevoli di una Bellezza, che Tommaso avrebbe saputo canonizzare in Arte. Ormai sempre più apprezzata.

1. Pittrice e fotografa. Vicedirettore di «Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti» (Milano). ↩︎

L'articolo Pamela Blago: TOMMASO FILIERI – Maestro di quell’arte effimera che profuma di eternità proviene da Krínomai.

Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 2 (Milano, 2025), pp. 203 – 208.

Daniele Dell’Angelo Custode nasce nel 1961 in Germania, a Mettmann (Renania Settentrionale-Vestfalia), ma ancora in fasce è condotto dai genitori a Nardò, provincia di Lecce, luogo di origine della famiglia. Lì vivrà stabilmente, condurrà la sua formazione (maestro d’arte nel 1977) e lì realizzerà il sogno di tirar su un laboratorio artistico tutto suo per la lavorazione dei metalli.
Quella del metallo è per Daniele una vocazione immediata, connaturale al suo temperamento. Egli è uno sperimentatore fin dalla più tenera giovinezza, cosa che lo porta ad accumulare quel bagaglio di esperienza che lo rende un vero Maestro appena sulla soglia dell’età adulta.
Dell’Angelo Custode non è un fabbro. Perlomeno non è un fabbro secondo la comune accezione. Seduto sul limes che distingue l’artigianato dall’Arte, sceglie di saltare a due piedi nel secondo ambito. Non per pretesa, ambizione o snobberia, piuttosto perché una sua ringhiera non è un mero steccato metallico destinato ad arrugginire, bensì un capolavoro. Lo si vede a occhio nudo. E i committenti lo sanno bene. Così nascono gli artisti e Daniele è artista fin nelle midolla, dalle realizzazioni più semplici alle sculture dal calibro museale e monumentale.

In un momento culturale come il nostro in cui l’Arte – con la scusa di essere concettuale – si perde troppo spesso nel vacuo, la potente tensione di Avanguardia del Nostro fa tornare alla Materia. Quella con la lettera “M” maiuscola.

Un cannello, per domare col fuoco il metallo informe. 

Un martello, per costringere senza alcuna possibilità di appello la Materia alla sua volontà di artista.

Fig. 28 Luce tra le ore (2025). Ferro/corten/inox (Fotografia di Michele Mariano).

Sì come novello demiurgo, che con atti rituali cadenzati ricongiunge inesorabile la Forma alla Materia, per restituire l’opera al suo stesso paradigma originario, nascosto da sempre ma chissà dove in un platonico e attualissimo mondo delle idee. Così, nei capolavori di Daniele, parlano le superfici, spesso lavorate a specchio, in cui si riflette e si intrappola tutto il suo mondo interiore. E parlano le linee, sovente curve. Gli arricci a spirale, i grovigli, che nascondono (in)consapevoli rimandi alla circolarità dell’esistenza, all’eterno divenire. Come pure divengono eloquenti gli angoli di figure geometriche rivolti in su, vangelo silenzioso di quella attrazione verso di sé che la Trascendenza opera sull’Uomo da che mondo è mondo.

Per questo e per molto altro ancora, Dell’Angelo Custode – filosofo dei metalli – fin dal 2021 è ritenuto dalla critica uno dei protagonisti più eccellenti del Transmanierismo contemporaneo. Una corrente artistica sorta a Bologna negli anni Ottanta, intorno a Giorgio Celli, per abbattere ogni forma di preconcetto storico-sociale nell’Arte. E che trova nel maestro Dell’Angelo Custode uno dei principali pacificatori tra passato e futuro, grazie al suo sapiente impiego di nuove tecnologie e nuova comunicazione – umile e orgogliosa al contempo – del proprio fare e saper fare.

Figg. 30-33 Alcune opere del Maestro Daniele Dell’Angelo Custode (Fotografie di Michele Mariano).

Vasta la bibliografia su Dell’Angelo Custode e sui suoi lavori: censiti in pregevoli miscellanee d’arte contemporanea, cataloghi, riviste di settore, con recensioni lusinghiere da parte di autorevoli critici. Ampia pure la sua partecipazione ad esposizioni personali e collettive in Italia e soprattutto all’estero. Memorabili le mostre a Londra, Berlino, Parigi, Bruxelles e Dubai, come importanti le commissioni ricevute; segno del valore elevato della sua opera, destinata a raggiungere vette sempre più alte.

1. Storico, iconologo e critico d’Arte. Direttore di «Krínomai». ↩︎

L'articolo Francesco Danieli: DANIELE DELL’ANGELO CUSTODE – Il demiurgo del ferro, protagonista del transmanierismo contemporaneo proviene da Krínomai.

Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 2 (Milano, 2025), pp. 163 – 168.

Complessità e fluidità sembrano essere i caratteri dominanti del mondo contemporaneo, caratterizzato da un incalzante progresso tecnologico, una globalizzazione che rischia di annullare ogni specificità culturale. L’arte del nostro tempo è sempre più improntata a contaminazioni di linguaggi e, in questo scenario, gli artisti non rinunciano al loro ruolo di costruttori di narrazioni “altre”, disegnando possibili visionarietà per raccontare il presente, immaginando il futuro. Di pari passo all’impiego di linguaggi sempre più legati alle nuove tecnologie avanzate, questi “creativi” non rinunciano a confrontarsi con un mezzo antico come il mosaico, adattandolo alle nuove specifiche espressive, rinnovando le ricerche anche con materiali diversi dalle classiche “tessere” con il quale è conosciuto. Ritroviamo il mosaico in opere di design, in scultura e nella “public art”. Questa tecnica sembra aver trovato una nuova e vitale stagione, anche in considerazione della sua versatilità tecnica, dalla particolare resistenza e adattabilità nei diversi contesti.

La valente e ormai affermata artista Patrizia Dalla Valle, che vive il presente ma che ha dentro la storia, ha scelto il mosaico ottenuto da frammenti di materiali diversi, attraverso i quali fa emergere la bellezza e lo splendore di tempi storici. Con la propria sensibilità, giunge ad una sintesi espressiva ed originale, volta alla contemporaneità in dislogo con la tecnica bizantina. Il suo percorso artistico, inizia dopo la laurea, frequentando botteghe d’arte di ceramisti e mosaicisti a Ravenna.

Successivamente, l’artista giunge alla consapevolezza che il mosaico è il linguaggio che più le appartiene; quello che predilige, quello che le permette di esprimere al meglio la sua personalità e il suo senso estetico.

Nel tempo ha affinato e consolidato sempre più un’originale ed autonoma ricerca progettuale e tecnica attraverso la sperimentazione su materiali diversi, portando così il mosaico a vivere il nostro tempo, diventando ancora una volta linguaggio universale. 

Il lavoro della Dalla Valle, in parte, parla della grande tradizione bizantina, coniugata ad una significante ricerca che la porta alla nostra contemporaneità donandole l’originalità di un linguaggio personale di lucente bellezza. Le implicazioni nell’arte contemporanea derivate dalla memoria musiva sono il frutto conclusivo, atto a far emergere il suo gesto creativo. Un estro che viene sviluppato per progetti piani e scultorei, tematici, culturali-artistici, alcuni dei quali decisamente rilevanti come “Interno bizantino”, dedicato allo splendore artistico di Ravenna e Bisanzio. “Tagli dal tempo”, che vuole leggere l’interiorità umana e le proprie fragilità. “Ovuli”, che dalla nascita greco-romana della decorazione architettonica, si sono trasformati nel linguaggio della Dalla Valle, in una rinascita contemporanea andando a formare installazioni sia da esterno che da interno.

Non possono mancare i progetti denominati “Macro”, “Lacerti” e “Palmira”; quest’ultimo si sviluppa nell’astrazione di un mosaico dove l’oro prevale, per ricordare la meraviglia di quel sito patrimonio del mondo, offeso dai barbari.

Altri importanti progetti sono: “Oltre Bisanzio”, “Ermeneutica”, “Approdi”, “Oltre”, “Collezione artistica universale”, “Gioielli”, “Geosculture” e “Interni”, ultimo progetto in itinere. Gli elementi scultorei di “Interni”, si sono sedimentati ed arricchiti nel tempo, ma solo attualmente l’artista è riuscita ad annodare quel filo che unisce i dettagli dei progetti passati alla ricerca del suo design artistico. Fondanti e rivelatrici sono state le opere del progetto “Geosculture”. Oltre ai progetti descritti, l’artista rivolge il proprio lavoro anche ad altre creazioni che poggiano sulla sua innata passione verso uno scenario reale e sociale, osservando e analizzando ciò che la circonda. Il percorso creativo di Patrizia Dalla Valle è riconosciuto attraverso importanti testi critici riguardanti opere ospitate in musei ed importantissimi spazi pubblici e privati in Italia e all’estero.

Fra le più importanti esposizioni dell’artista si ricordano: Phos, mostra sui Bizantini a Madonna delle Virtù, Sassi di Matera; Casina delle Civette – Musei di Villa Torlonia, Roma; Circolo Ministero Affari Esteri, Roma; Museo Archeologico Nazionale, Venezia; Museo Archeologico Provinciale Isola di Torcello, Venezia; 57° Biennale d’Arte, Padiglione Repubblica Arabo-Siriana, Venezia; Musé e National de Belle Artes, Avana (Cuba), per i 500 anni della fondazione della città; Museo Archeologico, Monteleone di Spoleto; IX Biennale d’Arte Contemporanea, Taskent (Uzbekistan). L’artista negli anni è stata premiata con prestigiosi riconoscimenti per il suo contributo all’arte; Premio Olmo (2016), Premio Internazionale Spoleto Art Festival (2021 e 2022), Premio Internazionale Biennale di Venezia, Menotti Art Festival (2022) e Premio Ponte Vecchio dell’Associazione Toscana Cultura.

Figg. 5-6    Troni (dal progetto “Interno bizantino”, 2009). Tecnica musiva su resina, ori e tessuto, cm 142x69x70 e Gotico regale (dal progetto “Ermeneutica”, 2019). Tecnica musiva su resina, ori, smalti, ottonella, cm 190x66x60.

1. Critica e curatrice d’Arte (Cesena). ↩︎

L'articolo Maria Grazia Melandri: PATRIZIA DALLA VALLE, MOSAICISTA – Memorie nel contemporaneo proviene da Krínomai.

Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 1 (Milano, 2025), pp. 189-190.

Ci sono voluti sedici anni. Quasi un’era musicale, se si vuole ragionare con le logiche del mercato degli ultimi anni, che ormai tende a fingere di stravolgere i generi, fagocitandoli e riproponendoli spesso in modo troppo omogeneo, uccidendo la creatività e sacrificandola sull’altare del mainstream.
Ma nel caso dei Cure, giunti al primo album di inediti dopo sedici anni (“Songs of a lost world”) si tratta di una conferma, qualora ve ne fosse ancora bisogno. La certezza che ci sono ancora e parlano alla loro vasta e appassionata platea di aficionados, senza paura. L’album, uscito a novembre 2024, viaggia molto bene nei nuovi canali della fruizione discografica e praticamente senza promozione (se si eccettua un riuscitissimo concerto di presentazione, evento per la BBC e per You Tube).

La band inglese, creatura dell’immarcescibile Robert Smith, non teme nulla perché è forte della sua stessa identità artistica, composta da un’architettura sonora monumentale, eppure fatta di semplici accordi (gli stessi che permisero al capolavoro “Disintegration” di volare alto nelle classifiche del 1989). Il nuovo disco parla ai fans vecchi e nuovi, ci sono canzoni dal grande impatto emotivo, come il primo singolo “Alone”, “ A fragile thing” e la struggente “And nothing is forever”, in cui Smith canta «I know that my world has grown old and nothing is forever, but it really doesn’t matter, if you say we’ll be together, if you promise you’ll be with me in the end». Questa stessa “reverie” ritorna prepotente alla fine del racconto di questi cinquanta minuti di grande musica, nella didascalica “Endsong” («I’m outside in the dark, wondering how I got so old»).

Sono canzoni ispirate, la scrittura è fluida e prorompente, proprio come succede agli artisti dopo un lungo silenzio creativo. Le lunghe introduzioni strumentali alle quali gli ex ragazzi di Crawley ci hanno abituati permettono all’ascoltatore di ambientarsi piano piano, in ogni pezzo, come quando si entra in un caldo salotto illuminato da un camino, mentre fuori nevica o c’è nebbia. In “All I ever am” l’animo gotico diventa diario autobiografico, Robert si guarda allo specchio, ormai sessantacinquenne, ma sempre uguale e coerente, con gli occhi bistrati di nero e il rossetto sbavato.

C’è anche spazio per le digressioni rock di “Drone:Nodrone”, con il meraviglioso basso distorto del granitico Simon Gallup e per “I can never say goodbye”, che ricorda molto le atmosfere di alcuni pezzi del passato glorioso. In definitiva, un ritorno convincente e carico di emotività, un grido nel buio di una foresta (la citazione sorge spontanea per ogni appassionato della band), un disco che riconcilia con la musica di un’epoca in cui non esistevano autotune ma delay e flanger per chitarre che erano voce oscura di una generazione disorientata, tormentata. Ma forse, paradossalmente, più felice.

Artista: The Cure
Data di uscita: 1 novembre 2024
Generi: Ghotic-Rock, Space-Rock
Supporto: CD
Etichetta: Fiction, Polydor, Capitol
Registrazione: 2019 – 2022

L'articolo Cesare Orlando: Songs of a Lost World – Ultimo album dei The Cure proviene da Krínomai.

Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 1 (Milano, 2025), pp. 183-188.

La pittura di Angelo Lupi Tarantino nasce da un presente inquieto e difficile (non solo generazionale, ma anche personale) che si annulla nel passato poetico dell’arte. E disseppellisce per noi, abitanti di questo nuovo millennio, il senso di cos’era e di cosa ancora può essere l’intensità e lo splendore della Bellezza.
Non si tratta di nostalgia, di cerebrale e fredda riesumazione di icone, come in tanta pittura anacronista di anni recenti, ma di un libero e naturale effondersi dell’artista in una dimensione che abolisce il tempo, addormenta l’ineluttabile crudeltà di Kronos.
Questa pittura si pone prima della storia e si identifica nel mito come fondazione di una complessa equivalenza tra “pittura del mito” e “mito della pittura”; affida il proprio messaggio artistico alla rappresentazione del mito, con l’ulteriore complicazione di identificare in esso la pittura e il suo significato.
Il ritmo narrativo che governa queste storie è quello di un’età disancorata dall’evento accidentale e legata, invece, all’archetipo.
Questa pittura si consegna con tutta la sua liturgia e i suoi tempi assorti di meditazione e d’esecuzione alla logica dell’inganno, attraverso cui l’immagine del mondo, la sua “figura”, si sostituisce alla sua realtà, ne diventa fondamento, intima e profonda ragione.
Cosi se il panorama della storia è uno scenario di rovine fatalmente votato alla catastrofe, il mito, in quanto paradiso felice di una inesausta rifondazione, si pone a garanzia dell’eternità creativa.
L’opera di Tarantino sembra sostenuta da questa idea fondante. Esprime il sempre rinnovato piacere del dipingere. Poiché nasce da una spinta interiore di forte intensità, seppure dominata entro una forma sospesa e classicamente contenuta, ne serba tutta la vitalità, il flusso come di un’onda di mare.
C’è una perpetua emergenza di vita che si stabilisce in forme elementari e metamorfiche, le situa in un clima di divinità che tuttavia non vale a renderle ireniche: resta sottile, impalpabile, il problema esistenziale, poiché il modello è lontano, all’orizzonte del tempo, e l’artista è qua, nel presente dell’agire.
Le immagini sono a un tempo parti di un unico racconto e autonome visioni liriche, composizioni allegoriche definite e attimi fuggevoli di una struggente e interminata favola pittorica. Le forme organiche, convesse, forniscono l’idea della fecondità, della maturità, e di un eros libero e felice.
Le figure di Tarantino sono memori, nel loro corpi disarticolati e metamorfici, delle figure mediterranee di Picasso, dei Re e delle Regine di Moore, della gioia di vivere di Matisse, dei personaggi surreali di Savinio, o, laddove la figura si sfalda in esiti più astratti, di certi luminosi ritmi rotatori del cromatismo orfico.
Tutto è all’insegna della levitazione: i corpi danzanti, perlacei, la natura solare, mai definita o descritta, ma accennata in una sorta di vaporosa spazialità cromatica, i pochi oggetti rappresentati.
Tarantino vede l’esistenza umana entro una sfera di esistenza cosmica, quasi come un grandioso fenomeno della natura: così le monumentali figure sono generalmente acefale o senza volto, nella lontananza atemporale di un’età arcaica o perse nel mare della fisicità. Sono elementa nel senso euclideo originario.
La sovranità assoluta è affidata ad una pittura che ha un corpo strutturato a tutto tondo, una sua pastosa composizione cromatica “riscaldata” da uno spessore edonistico. Lievi e sapienti stesure di colore addensandosi in effetti tattili e opalescenti determinano i contorni e i volumi dei corpi o, al contrario, ne riducono la consistenza. Trasformandoli in eteree ed astratte accidentalità cromatiche.
Volano le immagini in danze pagane e le forme sembrano sollevarsi leggere ed espandersi come nuvole gassose in un aereo soffio, lo pneuma che attraversa tutta l’opera.
Leggere questa pittura è come leggere un sogno: tesse l’immagine lentamente, come l’inconscio tesse il sogno. E al territorio dei sogni appartiene l’universo denso, sensuale, un po’ da “principio del mondo” di Tarantino, il suo paradiso perduto.
Quei fascinosi incanti, quegli universi iperuranei ci ricordano, tra l’altro, che il bisogno di mito è uno dei segni distintivi del nostro tempo e germoglia proprio sul terreno dello scetticismo, come antidoto alla caduta della speranza e al lutto delle illusioni.

L'articolo Marina Pizzarelli: La danza pagana dell’Arte – Sulla pittura di Angelo Lupi Tarantino proviene da Krínomai.

Estratto da “Krínomai. Rivista italiana di storia e critica delle Arti”, n. 1 (Milano, 2025), pp. 191-198.

In un’epoca in cui o lo si demonizza, oppure lo si esalta, il web compie veri e propri miracoli. Uno di questi consta nel dare visibilità – meritatissima – a talenti del calibro di Vittorio Valiante. Senza le opportunità offerte dalla rete e dai social nella fattispecie, un genio come il suo avrebbe infatti impiegato molto più tempo per emergere, privando la comunità artistica degli stimoli che la sua poetica è in grado di suscitare fin d’ora.
Valiante nasce a Napoli nel 1991, talentuoso fin da piccolo nel disegno e nella pittura. Nel 2009 si diploma presso il liceo d’arte Suor Orsola Benincasa e, dopo un breve periodo all’Accademia delle Belle Arti di Napoli, seguita a perfezionarsi da autodidatta, raffrontando la propria sensibilità artistica con i canoni pittorici di Rembrandt van Rijn e dei protagonisti della scuola napoletana a cavallo tra Otto e Novecento. Corre l’anno 2018 quando si dedica all’arte madonnara, il 2019 quando dribbla verso l’arte muraria. Saranno queste esperienze a guadagnargli in breve tempo fama di eccellente street artist. Il vero salto di qualità, però, Valiante lo compie nel 2023.

Dopo aver condotto un progetto di inclusione e recupero attraverso l’Arte rivolto agli ospiti delle carceri minorili, comprende come spesso gli scarti della società possano tornare ad essere opere d’Arte. Una metafora antropologica e sociologica, ben calibrata sull’esperienza vissuta, che fa nascere in lui l’idea del progetto Frantume: recuperare in strada, estraendoli da cumuli di scarto d’arredo o di edilizia, frammenti di mobili, superfici amorfe da riciclare, trasformandole in veri e propri “pezzi di carne”. Segni della società dello spreco, sovraccarica e immonda nel senso letterale del termine, vengono grazie al suo pennello pacificati con la città degli uomini. Ordine e armonia tornano così a primeggiare sul caos. Una pittura materica la sua, spesso ruvida, dai tratti irregolari e imprevedibili, che trasforma la semplicità delle cromie pastello in incarnati color vissuto. Strati di granellose vernici industriali su rozzi supporti, velati da delicate finiture ad olio, degne dei migliori maestri della pittura italiana degli ultimi cinque secoli. A voler rimarcare i contrasti dell’imperscrutabile animo umano, rude e delicato al contempo; inaccessibile per la scorza, dolce e tenero nel profondo. Bisognoso di superare le schizofrenie che da che mondo è mondo lo caratterizzano, ancor più evidenti in quest’era sconquassante, per recuperare unicità e unitarietà.
Di Vittorio Valiante si sentirà molto parlare negli anni a venire!

L'articolo Pamela Blago: Frantume – L’arte di Vittorio Valiante come allegoria dell’umanità contemporanea. proviene da Krínomai.